Jennifer Rochlin 的奇特容器为转瞬即逝的记忆赋予形态
詹妮弗·罗克林 (Jennifer Rochlin) 手工制作的大型陶土容器似乎迫使观众靠近并仔细观察——这一现象在她目前的个展中最为明显，“粘土画”，将在纽约豪瑟沃斯画廊展出至 2024 年 7 月 14 日。展览在各种基座和底座上展出，邀请参观者在各种罐子之间移动、绕过甚至窥视它们的内部，探索它们的彩绘和蚀刻图案、小插图，以及最有趣的故事情节。 “Jennifer Rochlin：粘土绘画”展览现场（2024 年）。摄影：Sarah Muehlbauer。图片由艺术家和 Hauser and Wirth 提供。 虽然陶瓷传统会让人联想到高度抛光、比例均匀的罐子和容器，但罗克林却喜欢直观形式和形状的特性，因为它直接反映了艺术家的手法，并为她后来的绘画和素描提供了独特的起点。 “我曾经做过一个非常完美的陶罐，”罗克林在加利福尼亚州阿尔塔迪纳的家中通过视频通话说道。“我只是觉得很无聊，心想，‘我怎么能从中获益呢？’当我准备绘画时，它太完美了，我对此不感兴趣。我认为凹陷、隆起、造型和毁容对我来说是美学上有趣的东西。” “Jennifer Rochlin：粘土绘画”展览现场（2024 年）。摄影：Sarah Muehlbauer。图片由艺术家和 Hauser and Wirth 提供。 罗克林近二十年前开始接触陶瓷，这种媒介最终成为艺术家绘画的首选“画布”。每个容器的形状都是凭直觉设计的，塑造和塑造粘土的方式保持了其结构完整性，但不遵循规定的形式。只有在陶罐完成后，罗克林才会考虑在上面放什么，形状通常会影响作品的其余设计。 Rochlin 选择用来装饰每个容器的图像都是以类似的方式创作的：直觉地，基于她当前的想法或情感。与超现实主义的自动主义相呼应，艺术家试图让潜意识超越意识控制，Rochlin 的记忆和想象可以在每件作品的表面找到痕迹。 詹妮弗·罗克林（Jennifer Rochlin），《西伯利亚大铁路》（Trans-Siberian Railway，2023 年）。 摄影：Keith Lubow。 图片由艺术家和豪瑟沃斯画廊提供。 此次演出的一大亮点是， 西伯利亚大铁路 （2023 年），画的是一列螺旋形的火车，周围环绕着栩栩如生的鸢尾花，这些鸢尾花取材于罗克林在俄罗斯西伯利亚大铁路旅行时的记忆，她用超 8 胶片记录了这段经历，构图暗示着胶卷展开的方式。在一节画中的火车车厢旁，一名男子摘下了一些鸢尾花，并将它们递给火车窗户里的一名女子。实际上，这是两个陌生人的场景，在罗克林的描绘中，这名女子是艺术家自己的自画像。 “有趣的是，当我画它的时候，我完全没有意识到 [the subject] 成为我——但事实并非如此，”罗克林描述道。“我在脑海中画出 Super 8 电影中的画面，我已经不知道多久没看过这部电影了。这是对 Super 8 的回忆。我想是因为当时我渴望浪漫，所以创作了这幅作品。我想做这种典型的浪漫姿态。把花抛上天空，然后火车开走，他们再也见不到对方了。” […]
现代和当代抽象女性在纽约群展中得到应有的回报
最近，整个艺术界掀起了一股重新审视和重新评价女性艺术家作品的兴趣，特别是在 20 世纪现代主义及其一些最伟大的运动（例如抽象表现主义和色域绘画）的背景下。 集体表演由 阿尔米内·雷奇 纽约旨在继续这一调查路线，并进一步努力纠正艺术史经典中女性艺术家代表性不足的问题。 “手势与形式：抽象中的女性，”展览将持续到 2024 年 6 月 15 日，展出 20 位现当代艺术家在抽象领域的创作和创新作品。 “手势与形式：抽象中的女性”(2024) Almine Rech 展览现场，纽约上东区。 照片：托马斯·巴拉特。 © 海伦·弗兰肯塔勒 (Helen Frankenthaler) 的遗产、艾米丽·梅森 (Emily Mason)、莎拉·克罗纳 (Sarah Crowner) 的遗产。 由艺术家、庄园和 Almine Rech 提供。 展出的抽象艺术巨匠包括伊莱恩·德·库宁（Elaine de Kooning）和海伦·弗兰肯塔勒（Helen Frankenthaler）等艺术家，他们处于抽象表现主义以及战后艺术世界从巴黎向纽约转变的最前沿。 他们的开创性实践对于抽象艺术的发展和轨迹至关重要，直到最近才获得与同时代男性艺术家类似的赞誉和认可。 除了简单地突出艺术巨头的作品之外，展览还探讨了女性艺术家历史上所从事的多元化抽象。 维维安·斯普林福德（Vivian Springford）和艾米丽·梅森（Emily Mason）等艺术家的作品展示了类似技术的变化，例如颜料的操纵或浇注及其选择的支撑物，可以带来无数的创造性探索途径。 “手势与形式：抽象中的女性”(2024) Almine Rech 展览现场，纽约上东区。 照片：托马斯·巴拉特。 © 维维安·斯普林福德政府，Minjung Kim。 由庄园、艺术家和 Almine Rech 提供。 […]
继墨西哥城博物馆个展之后，阿尔玛·艾伦的雕塑登陆纽约
每个月，数百家画廊都会向 Artnet 画廊网络添加数千位艺术家的新作品，每周，我们都会重点关注您应该了解的一位艺术家或展览。 查看我们现有的商品，只需单击一下即可查询更多信息。 您需要了解什么： 卡斯明画廊 目前正在展示其第三个 阿尔玛·艾伦个展，以动态精选的新雕塑为特色。 展出的作品包括在艺术家自己的工作室铸造厂创作的青铜铸件，以及石雕作品，其中的石材来自他位于墨西哥特波茨兰的工作室周围地区。 从风格上来说，艾伦的雕塑既古老又未来感十足，将有机的形状和令人惊讶的排列和饰面结合在一起。 雕塑收藏实际上是艾伦在墨西哥城阿纳瓦卡利博物馆举办的展览“Nunca Solo”中开始追求的一系列艺术要求的延续，其中他探索了物理形式和自由意志主题之间的相似之处和重叠，意识、时间。 墨西哥城阿纳瓦卡利博物馆“Alma Allen: Nunca Solo”（2024）的展览现场。 由艺术家和纽约卡斯明提供。 关于艺术家： 美国雕塑家 阿尔玛·艾伦 （生于 1970 年）出生于犹他州，目前在墨西哥迪坡斯特兰生活和工作，在那里他拥有一个宽敞的工作室，能够制作大型青铜和石雕。 他的大部分作品都是从手工制作的小型模型开始的，他采用类似于超现实主义者的自动方法的过程直观地塑造这些模型。 艾伦交替使用传统的雕刻和造型技术以及现代技术（例如自建机器人设备）将这些小型作品转化为大型青铜、石雕或木雕。 2020 年，Rizzoli Electa 出版了他的第一本专着，2022 年，他的雕塑为纽约洛克菲勒中心的中央广场增光添彩。 艾伦的雕塑也被洛杉矶县艺术博物馆和棕榈泉艺术博物馆收购。 阿尔玛·艾伦位于墨西哥迪坡斯特兰的工作室内。 照片：迭戈·弗洛雷斯。 由纽约卡斯明提供。 为什么我们喜欢它： 艾伦的每件雕塑都同时传达了一种纪念性、质量以及亲密感。 他以手工比例模型作为起点，这在每件作品的构图元素中显而易见； 拇指的压力、展开、绳状的突出物、俏皮的卷发，一起使艺术家的手显而易见，尽管它是用青铜或石头制成的，超出了人手所能制造的程度。 其结果是为观众提供了一种沉思的、反思性的体验，他们可以在视觉上追踪艾伦在每件作品中如何处理和塑造形式，并深入了解雕刻物质的基本意识。 制作和过程的直接行为，与完成的作品一样，成为作品的核心元素，并体现了艾伦对意识和自由意志的持续探索。 请参阅下面的精选作品。 阿尔玛·艾伦， 尚未命名 （2024）。 照片：查理·鲁宾。 由艺术家和纽约卡斯明提供。 阿尔玛·艾伦， 尚未命名 （2024）。 照片：查理·鲁宾。 由艺术家和纽约卡斯明提供。 阿尔玛·艾伦，《尚未命名》(2024)。 照片：查理·鲁宾。 由艺术家和纽约卡斯明提供。 “阿尔玛·艾伦”将于 […]
关于傅秋萌画廊新展策展人陈乔伊和艺术家阿诺德·张的七个问题
位于曼哈顿上东区， Fu Qiumeng Fine Art 其使命是促进和促进中国历史和当代艺术的研究和观众意识。 通过他们推动的举措 研究与生产 画廊与学者、艺术界专业人士和作家持续合作，将他们在该领域的作品带给更广泛的观众。 在他们最近的一次合作中，付秋梦画廊邀请了艺术史博士生、前大都会艺术博物馆研究员陈乔伊（Joy Xiao Chen）来策划个展“山的显隐：张阿诺山水画中的色彩”。 展览将持续至 2024 年 6 月 22 日，探讨 张阿诺德他对色彩和构图的创新运用，以及将他的作品置于更大的艺术历史背景和中国艺术传统的轨迹中。 我们最近与陈和张进行了交谈，以了解更多关于创作这个展览的信息，以及他们希望为整个中国艺术的对话做出什么贡献。 《山的显隐：张阿诺山水画中的色彩》展览现场（2024）。 由纽约付秋萌画廊提供。 您最近受邀策划张阿诺与付秋萌的个展。 您能告诉我们一些关于这次合作是如何发生的吗？ 陈乔伊： 我第一次见到阿诺德是在 2018 年，当时我正在研究关于中国文人艺术家萧云从（1596-1669）的论文。 我们对 17 世纪中国山水画有着共同的兴趣，很快就走到了一起。 不久之后，我开始跟随阿诺学习中国水墨画和鉴赏能力。 多年来，我们对他的艺术实践进行了多次深入的对话，尤其是他对色彩的新实验。 令人着迷的是，他十年前就开始尝试色彩，自从我搬到纽约以来，我有幸目睹了他的作品的演变，这些作品将彩洗和墨线完美地结合在一起。 我发现阿诺德将色彩融入中国山水画，既在智力上刺激，又在情感上细致入微，并为潜在的展览形成了独特的叙事。 感谢 FQM 的支持，我有难得的机会为阿诺德策划这个节目，展示他的最新系列。 《山的显隐：张阿诺山水画中的色彩》展览现场（2024）。 由纽约付秋萌画廊提供。 您筹备这场展览的策展过程是怎样的？ 江西成： 我的策展方法从根本上来说是艺术史的，但我努力让西方观众能够接触到艺术。 在大多数中国古典文人画中，色彩往往是继笔墨之后的补充，只有在笔法形成图像结构之后才添加色彩。 对于过去的文人艺术家来说，最精英的形式是书法，因此反映良好书法品质的绘画笔法至关重要。 在此背景下，阿诺德注重色彩与水墨并重，在保留中国文人艺术最本质的特质的同时又进行了创新。 阿诺德将色彩融入绘画对于西方观众来说可能很难理解，尤其是纽约市的观众，因为色彩是他们艺术实践和欣赏中如此基本且充满活力的元素。 这种差异使得阿诺德的方法不仅独特，而且对于当地观众充分欣赏来说也具有潜在的挑战性。 因此，我选择了既能体现中国文人传统又能吸引西方观众的作品。 通过这次画展，我展示了阿诺德的旅程——他自己的色彩观念在几十年前是如何产生的，他对色彩与笔触的融合不断发展的掌握，以及他最近在色彩表达上的解放。 您希望这次展览能够给参观者带来什么启发或传达什么信息？ 江西成： 我希望这次展览能让观众，无论是西方还是中国的观众，对中国绘画和视觉文化有更丰富的欣赏。 如果熟悉中国艺术的人能够重新审视、甚至挑战自己对中国艺术史中色彩的理解，发现色彩可以像笔墨一样传达中国文人艺术的精髓，那就太好了。 […]