华盛顿地区哪里可以观看艺术画廊展览

Klausner 是一位熟练的动物模型制作者，她从头开始制作 3D 小插图的每个元素。 她对被鄙视的生物的欣赏不仅限于哺乳动物、昆虫和在画廊一角解构三明治的三只鸽子。 她还描绘了霉菌、真菌和从枯萎的土豆中萌芽的芽。 所有这些都是克劳斯纳值得关注的主题，她不仅强调了再生的循环，还强调了她所说的“微小且经常被忽视的美”。

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艺术家作品的含义是生态的，但也是自传性的。 “作为一名残疾酷儿女性，我被那些被抛弃或被其他事物所吸引，”她写道。 “（德）组合/夜曲”是一个微型自然历史博物馆，展示了动物和过程，无论它们对生命有多么重要，却被不假思索或故意忽视。

黛博拉·格雷森 (Deborah Grayson) 优雅的黑人女性木刻版画讲述了另一个关于他者的传奇故事，其中一幅在她的 IA&A 展览上题为“他们认为爱是阳光下大地的红润”。 这位 DC 艺术家的肖像画以强烈的线条呈现，并通过令人回味的细节和大胆的装饰图案而得到增强。 几张照片上有棉花花蕾，一名女子手上握着一颗人类的心脏。 这些版画以 20 世纪初的照片为基础，但通过历史和几何符号赋予神秘色彩。

朱迪思·克劳斯纳：（德）作曲/夜曲 和 黛博拉·格雷森：他们认为爱是阳光下大地的变红 截至 4 月 28 日，IA&A 地点： Hillyer, 9 Hillyer Court NW。 athillyer.org。 202-338-0680。

当地艺术家 Eric Celarier 和 Stuart Diekmeyer 的作品对自然世界进行了审视和重新想象，他们在 Portico 画廊共同展出。 “超级自然”主要由照片和印刷品组成，但也有一些引人注目的雕塑。

昆虫、种荚和仙人掌穗是迪克迈耶密切聚焦的特写镜头的主题之一，其浅景深突出了锯齿状的细节。 这些双色调以黑白方式传达所有信息，但通过黄色光芒增强。 虽然迪克迈耶将相机对准明显有机的物体，但精确的取景和金色的点缀赋予它们宝石般的品质。

Celarier 采用了日本的鱼宅做法，即用墨水对鱼进行印刷，将废弃的物品堆放在丝绸下，然后用墨水敲击表面以产生图像。 这些堆放的物品显然是人造的，而且通常是电子产品，但生成的图片显示出大量的微生物。 艺术家为这个系列命名的标题“生物圈”既具有讽刺意味，又具有视觉上的贴切性。

Celarier 工业垃圾还有另一种用途。 他将其碎片焊接在一起，制作出想象中的甲壳类动物的金属雕塑，例如“锯背”，顶部有半个生锈的锯齿状刀片。 如果艺术家无法将过时的工具逆向工程转化为生物体，他就可以挑战观众思考一个日益由人类制造、使用和废弃的东西所负担的世界。

Eric Celarier 和 Stuart Diekmeyer：超级自然 截止 4 月 28 日，Portico Gallery, 3807 Rhode Island Ave., Brentwood。 门廊3807.com。 202-487-8458。

艾伦·科内特 (Ellen Cornett) 在精美细致的铅笔画中阐释了现有的文本。 但她的艺术家与创客秀“从前，文字和图片”并不总是遵循剧本。 这位马里兰州郊区本地人经常重新演绎她重述的摇篮曲和童话故事。 例如，她版本的《渔夫和他的妻子》去掉了遇到一条可以实现愿望的比目鱼的男人的贪婪配偶，只留下了格林兄弟民间故事中的两个角色。

一个有趣的做法是，科内特使用一个模特哈利·埃格尔（Harry Edgel）来摆出所有人类角色的姿势，无论是男性还是女性。 他的参与为这些图画奠定了现实基础，同时也赋予了它们戏剧性的品质。 科内特可能不会将山羊、牦牛和其他动物带入她的工作室，但她在逐渐充满生物的场景中以同样的精确度呈现它们。 在一个滑稽混乱的场景中，一个人和一只老鼠——前者正在阅读这份报纸的一部分——被动物和人类访客淹没。

这是用郁郁葱葱的灰色描绘的两个故事之一。 另一对是用 Prismacolor 铅笔绘制的，并辅以钢灰色颜料绘制鱼故事中的海洋背景。 根据艺术家的说法，其目标是“创造关于转变、技巧和伪装的分层、模糊的叙事”。 技巧和变革不仅仅是科内特的主题；也是他的主题。 它们也是她的表达方式。 她通过错综复杂的铅笔笔画，塑造出光线、体积和形状，从而塑造出人物性格。

艾伦·科内特：《童话镇》、文字和图片 截止 4 月 24 日，地点：Artists & Makers Studios, 11810 Parklawn Dr., Rockville。 artsandmakersstudios.com。 240-437-9573。

美国诗歌博物馆“Transmutación”中的版画分为两堵墙和两种风格，但却因共同的关注点而联系在一起。 南多·阿尔瓦雷斯 (Nando Álvarez) 的大型丝网印刷以硬边黑色线条为特色，辅以 Day-Glo 颜色，而他的较小的单色印刷则柔软而宽松，色调更加柔和。 这两幅作品都描绘了通常孤独的人的面孔，他们似乎是工人阶级，从安全帽和重物等细节可以看出。 这些肖像让人想起艺术家的出生地厄瓜多尔和斗争。

单版画是通过在母版上使用液体颜料进行绘画而制成的，然后将其一次性压在纸上。 阿尔瓦雷斯利用这种技术产生一种模糊的神秘感，表明他的主题无法被完全理解。 这种效果更加明显，因为他所描绘的大约一半的人都戴着口罩，大概是为了预防新冠病毒。

在阿尔瓦雷斯的丝网印刷中，亮粉色和绿色衬托出黑色的形式，旨在让人想起宣传南美音乐会的海报。 场馆策展人萨米·米兰达 (Sami Miranda) 借鉴了这一点，创作了受版画启发的诗歌； 文本以多种颜色和字体印刷，因此每首诗都像一个商业标志。 “孤独意味着什么？” 米兰达的一首诗问道。 阿尔瓦雷斯照片中人物的眼睛提供了答案。

转变：南多·阿尔瓦雷斯的版画与萨米·米兰达的诗歌对话 截止 5 月 1 日，地点：美国诗歌博物馆 (American Poetry Museum)，地址：716 Monroe St. NE，Studio 25。 apoetmuseum.org。 202-670-6252。