伊戈尔·斯特拉文斯基 – 世界历史百科全书

伊戈尔·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky，1882-1971）是一位俄罗斯作曲家，以其舞台作品而闻名，例如芭蕾舞剧 火鸟, 香菜，以及开创性的 春之祭。 这位现代主义作曲家先后居住在瑞士、法国和美国。 斯特拉文斯基对节奏和不和谐音的实验使他被称为 20 世纪最重要的作曲家。

早期生活

伊戈尔·斯特拉文斯基 1882 年 6 月 17 日出生于俄罗斯圣彼得堡附近的奥拉宁鲍姆（现称罗蒙诺索夫）。他的父亲是一位著名的低音歌剧歌手，曾在帝国歌剧院演出。 伊戈尔从 9 岁开始学习钢琴，并在 1903 年至 1908 年间，师从俄罗斯作曲家尼古拉·里姆斯基-科萨科夫（Nikolai Rimsky-Korsakov，1844-1908 年），他是斯特拉文斯基一位校友的父亲。 伊戈尔从未在正规的音乐学院学习过，但里姆斯基·科萨科夫是一位大师，尤其是配器方面的大师，而且他对俄罗斯民间有着百科全书式的知识 音乐。 在大学期间，斯特拉文斯基学习了 法律，但他在 1905 年放弃了这些研究。

斯特拉文斯基的第一部音乐作品包括钢琴奏鸣曲、交响曲和 烟花 （烟花），一部创作于 1908 年的戏剧性管弦乐作品。早期的影响来自于他的导师里姆斯基-科萨科夫和 克劳德·德彪西 （1862-1918）。

最初的反应是 春之祭 是一种震惊和愤怒。

佳吉列夫芭蕾舞团

火鸟

当颇具影响力的俄罗斯芭蕾舞团经理谢尔盖·迪亚吉列夫（Sergei Diaghilev，1872-1929）观看了以下作品的表演后，斯特拉文斯基取得了重大突破： 美妙的谐谑曲 和 烟花 1909 年在圣彼得堡。佳吉列夫委托斯特拉文斯基创作一部芭蕾舞剧，供演出 巴黎。 作曲家给了他 火鸟 （火鸟），一部受俄罗斯民间故事启发的作品。 火鸟 1910 年 6 月在巴黎歌剧院首演获得巨大成功。 斯特拉文斯基在 1911 年、1919 年和 1945 年再次根据乐谱创作了各种组曲。 火鸟 它具有创新性，主要使用木琴，尽管随后出现了更具影响力的作品，但它仍然是斯特拉文斯基现代管弦乐团演奏最多的作品。

芭蕾舞剧上演了成功的帽子戏法 春之祭 （春之祭）。 该作品讲述了一个古老的生育仪式的故事，其中包括牺牲一名处女，而她必须跳舞 死亡。 它再次受到佳吉列夫的委托。 该芭蕾舞剧由瓦斯拉夫·尼金斯基 (Vaslav Nijinsky) 编排，于 1913 年 5 月在巴黎香榭丽舍剧院首演。 对创新且不和谐的配乐（冲突的音符）、故意不雅的编舞以及活泼的故事情节的最初反应是震惊和愤怒。 首映式上的观众沸腾了。 作曲家卡米尔·圣桑（Camille Saint-Saëns，1835-1921）听到这首曲子时，形容斯特拉文斯基疯了。 后来的表演赢得了更加尊重的赞赏，甚至起立鼓掌。

音乐评论家 P. Griffiths 对这部作品的创新之处做出了如下评价：

斯特拉文斯基释放新的节奏力量 春之祭 是第一世界之前几年伟大的音乐革命之一 战争……通过切分音和快速的韵律变化，斯特拉文斯基废除了文艺复兴以来几乎所有西方音乐的规则脉动：现在的节奏是有棱角的和推进力的，这是音乐的主要动力。

（阿诺德，1757）。

斯特拉文斯基模仿俄罗斯民间音乐的驱动节奏，将打击乐从通常的辅助角色提升为作品的驱动元素。 古典音乐百科全书 斯特拉文斯基解释了节奏的新方法：

之前大多数西方音乐 春之祭 是以有规律地重复两到三（或其倍数：四或六）节拍的模式写成的。 在 仪式 斯特拉文斯基使用 5 拍、7 拍甚至 11 拍的小节，并且经常改变每小节的节拍数； 听众可以感觉到强大的节奏，但无法用脚踩它。 （368）。

其他引人注目的创新包括比平常更多地使用不和谐音以及放弃使用渐进键。 德彪西描述了他对整体效果的反应，称他“目瞪口呆，被来自时代深处、连根拔起生命的飓风淹没了”（Sadie，397）。 古典音乐百科全书 描述 春之祭 被誉为“本世纪最具突破性和革命性的乐谱”（368）。 斯特拉文斯基后来转换了部分乐谱 斯普林仪式g 改编成钢琴曲。

歌剧及其他

1914年，斯特拉文斯基转向歌剧，创作了三幕剧 夜莺 （夜莺），改编自汉斯·克里斯蒂安·安徒生（1805-1875）的童话故事。 它再次在巴黎首映。 1919年，斯特拉文斯基重新包装 夜莺的音乐改编成交响诗，名为 夜莺之歌 （夜莺之歌）。 随后，列昂尼德·马辛 (Leonid Massine) 将这部作品编排成芭蕾舞剧，布景则由亨利·马蒂斯 (Henri Matisse)（1869-1954）设计。 该芭蕾舞剧于1920年在巴黎首演。

第一次世界大战（1914-1918）爆发后，斯特拉文斯基移居瑞士。 直到 1962 年他才再次踏足俄罗斯。他继续创作，尤其是芭蕾舞剧 婚礼 （婚礼）和滑稽表演 雷纳德 （狐狸）； 两者均取材于俄罗斯民间故事。 这些作品说明了斯特拉文斯基转向为室内乐团设计的音乐，而室内乐团的乐谱要少得多。 1918 年的款式就是这种新风格的一个很好的例子 一个士兵的故事 （士兵的故事），这是为单簧管、巴松管、短号、长号、小提琴和低音提琴的折衷组合而创作的。 这些音乐家为由三名演员和一名舞者组成的四部分演员表演，而旁白则对正在发生的事情进行了一些清晰的说明。 这是音乐剧的早期例子 剧院 包括探戈、华尔兹、 两步，还有拉格泰姆曲调。 芭蕾舞 普钦内拉 风格相似； 该作品于1920年5月在巴黎首演。芭蕾舞剧再次聘请了一位著名艺术家为其布景设计，这次是斯特拉文斯基的好朋友巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso，1881-1973），他也设计了服装。 斯特拉文斯基再次将乐谱改编成独立组曲，这次有两个版本，一个为大提琴和钢琴而作，另一个为小提琴和钢琴而作。

为了补充收入，斯特拉文斯基还亲自演奏钢琴音乐会、指挥和录制音乐。

斯特拉文斯基决定不返回俄罗斯，考虑到苏联国家对艺术的严格控制，这也许是一个明智的决定； 德米特里·肖斯塔科维奇 （1906-1975）是这一时期苏联审查制度的著名受害者。 相反，斯特拉文斯基定居法国，在巴黎和西南海岸度假胜地比亚里茨之间度过了一段时光。

整个 20 年代，斯特拉文斯基专注于器乐作品，尤其是钢琴作品，但不仅限于此。 他奉献了 管乐器交响曲 1921 年德彪西的作品。最后一次与俄罗斯主题的邂逅是在 泊，一部 1922 年的独幕喜歌剧，灵感源自 亚历山大 普希金（1799-1837）。 1924年，他完成了钢琴与管乐协奏曲。 1927年，斯特拉文斯基创作了一部新歌剧， 俄狄浦斯 雷克斯，它基于让·谷克托（Jean Cocteau，1889-1963）的文本，该文本本身又基于 希腊语 5世纪悲剧作家 索福克勒斯。 这部作品被认为是一部歌剧清唱剧，采用了混合的手法，一开始让观众感到困惑。 斯特拉文斯基创作了这部芭蕾舞剧 阿波罗·穆萨盖特 （阿波罗），这不是由佳吉列夫委托，而是由美国富有的艺术支持者伊丽莎白·斯普拉格·柯立芝（Elizabeth Sprague Coolidge，1864-1953）委托。 又一部芭蕾舞剧， 仙女之吻 （仙女之吻），受俄罗斯前舞蹈家和艺术赞助人艾达·鲁宾斯坦（Ida Rubinstein，1883-1960）委托创作。 仙女之吻 改编自汉斯·克里斯蒂安·安徒生的另一个故事， 冰之少女，而乐谱的灵感来自于钢琴曲和歌曲 彼得·伊里奇·柴可夫斯基 （1840-1893）。

1930年，斯特拉文斯基受委托创作一首曲子来庆祝波士顿交响乐团成立50周年。 他创作了 诗篇交响曲，一部为管弦乐队和合唱团创作的作品，拉丁文文本取自诗篇 38、39 和 150。1931 年，他为著名小提琴家创作了小提琴协奏曲 塞缪尔 杜什金（1891-1976）。 1934年，斯特拉文斯基获得了法国国籍，但现在的委托作品大多来自美国，比如芭蕾舞剧 纸牌游戏 （卡牌游戏），1937年在纽约首演，C大调交响曲，以及 敦巴顿橡树园 协奏曲。

性格与家庭

尽管德彪西和斯特拉文斯基互相欣赏对方的作品，但这位法国人在给朋友的信中这样评价这位俄罗斯人：“他是一个年轻的野蛮人，戴着华丽的领带，踩着 女性亲吻他们的手时，他们的脚趾”（Schonberg，553）。斯特拉文斯基的合作者、瑞士作家 CF Ramus 对作曲家的性格和对整洁的热爱给出了另一种见解：“斯特拉文斯基的乐谱非常出色。 他首先是……一位书法家……他的 写作 桌子就像外科医生的仪器箱。 不同颜色的墨水瓶按其有序的层次结构……让人想起圣托马斯的定义：美是秩序的辉煌”（Schonberg，558-9）。

斯特拉文斯基的个人生活和他的音乐品味一样多变。 他结过两次婚，两次改变国籍。 1906年，他与表弟卡特琳娜·诺森科 (Katerina Nossenko) 结婚。 这对夫妇后来生了四个孩子。 1920年代，他与女演员维拉·苏戴金（Vera Soudeikine）有染，后者也已婚。

到了 1939 年，战争的乌云正在笼罩上空。 欧洲之后，斯特拉文斯基遭受了母亲、第一任妻子和大女儿死亡的三重悲剧。 斯特拉文斯基决定移居美国。 1940 年，作曲家与维拉·苏戴金 (Vera Soudeikine) 结婚。

斯特拉文斯基很高兴能永久留在美国，他申请了公民身份（1945 年获得批准）并在洛杉矶安家。 作品不断涌现，有时具有不寻常的性质，例如三乐章交响曲，副标题是 马戏团 波尔卡1942 年，受著名的巴纳姆和贝利马戏团委托，为大象跳舞。 斯特拉文斯基作曲 芭蕾舞场景 1944年在百老汇演出。 作曲家不拘一格的品味在他为著名爵士单簧管演奏家伍迪·赫尔曼（Woody Herman，1913-1987）创作的《乌木协奏曲》中得到了进一步的体现。 斯特拉文斯基没有忘记欧洲； 他的歌剧 耙子的进展 1951 年 9 月在威尼斯首演。该歌剧共三幕，序幕由诗人 WH 奥登（1907-1973 年）和切斯特·卡尔曼（1921-1975 年）作词。 该剧还在米兰斯卡拉剧院上演，由斯特拉文斯基指挥。 这是作曲家最后一部正统作品。

由于他的早期作品在美国缺乏版权保护以及苏联政府没收了他在俄罗斯的财产，斯特拉文斯基的收入减少了，为了补充收入，斯特拉文斯基还亲自演奏钢琴音乐会、指挥和录制音乐。

整个 20 世纪 50 年代，斯特拉文斯基采用了包括阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg，1874-1951）在内的第二维也纳学派首次展示的创新。 包括更多实验音乐 一首神圣的歌曲 （1956），为男高音和男中音独奏家以及合唱团和管弦乐队而作，这也反映了斯特拉文斯基对宗教音乐的明确转向，这在康塔塔等作品中得到了进一步证明 特雷尼 （先知的哀歌 耶利米）为歌手和管弦乐队而作，完成于1958年，以及1961年的清唱剧 一篇讲道、一篇叙述和一篇祈祷。 斯特拉文斯基最后的主要作品是 安魂曲 为歌手和管弦乐队而设； 作曲家将其描述为“袖珍安魂曲”（阿诺德，1760）。

斯特拉文斯基在他的整个职业生涯中改变了他的音乐风格。 很早的时候，他就模仿过“印象派”德彪西，但他很快就开始创作独特的作品，他对节奏的创新运用贯穿于作品之中。 正如他曾经说过的，“打击乐器充当中央供暖系统”（Wade-Matthews，188）。 从 1928 年左右开始，他进入了通常被称为新古典主义时期，因为他重新创作了过去一些伟大作曲家的主题。 他吸收了巴洛克音乐 乔治·弗里德里克·亨德尔 （1685-1759），勃兰登堡时期 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫 （1685-1750），以及 巨大的 合唱团 朱塞佩·威尔第 （1813-1901）。 这些古老的主题随后被改编，并赋予了斯特拉文斯基独特的音乐姿态，以至于起源几乎消失了。 在他职业生涯的后期，斯特拉文斯基对序列主义和 12 音符音乐产生了浓厚的兴趣，这些音乐在 特雷尼 康塔塔。 这种由勋伯格创新的新风格被 S. Sadie 描述为“一种跨越极端音域和节奏运用的旋律风格，源于对小旋律和节奏单元的详细操作，打破了任何传统的脉冲概念” （441）。

斯特拉文斯基对音乐，尤其是他的音乐，有一些相当奇怪的说法。 他曾经写道：“我认为音乐本质上根本无力表达任何东西”（Steen，691）。 来自一位以表达能力而闻名的作曲家的奇怪评论，但他的意思是音乐只是音乐，解读它的意义（就像浪漫主义者喜欢做的那样）是一种完全主观的行为。 很多内容都是关于未经训练的听众如何准确理解斯特拉文斯基更具挑战性的作品。 作曲家本人曾经说过，“孩子和动物最能理解我的音乐”（韦德-马修斯，86岁），他认识到他后来的作品“使我与广大听众疏远了……他们不能也不会跟随我”在我音乐思想的进步中”（Schonberg，558）。 斯特拉文斯基当然也有批评者。 谢尔盖·普罗科菲耶夫 曾经将斯特拉文斯基的作品描述为“巴赫的音符错误”（Wade-Matthews，466）。

斯特拉文斯基的主要作品

伊戈尔·斯特拉文斯基最重要的作品包括（括号中标明首演日期）：

烟花 – 管弦乐作品（1908）
美妙的谐谑曲 – 管弦乐作品（1909）
火鸟 – 芭蕾舞 (1910)
香菜 – 芭蕾舞 (1911)
春之祭 – 芭蕾舞 (1912)
夜莺 – 歌剧（1914）
婚礼 – 芭蕾舞 (1923)
士兵的故事 – 独奏家、演员和舞蹈家 (1918)
普钦内拉 – 芭蕾舞 (1920)
俄狄浦斯王 – 歌剧（1927）
仙女之吻 – 芭蕾舞 (1928)
诗篇交响曲 – 为合唱团和管弦乐队而作（1930）
敦巴顿橡树园 – 协奏曲（1938）
三乐章交响曲 或者 波尔卡马戏团 (1942)
耙子的进展 – 歌剧（1951）
一首神圣的歌曲 – 为独奏家、合唱团和管弦乐队而作（1956）
特雷尼 – 康塔塔 (1958)
安魂曲 (1966)

斯特拉文斯基于 1969 年移居纽约。在他生命的最后几年，这位作曲家与罗伯特·克拉夫特 (Robert Craft) 合作写了几本书，其中涵盖了他自己的职业生涯并评估了其他作曲家的作品。 关于这些作品中有多少是克拉夫特的、多少是斯特拉文斯基的，仍然存在很多争论。 斯特拉文斯基于 1971 年 4 月 6 日在纽约去世，但被埋葬在离故居不远的威尼斯。 坟 佳吉列夫的墓地位于圣米歇尔岛。

斯特拉文斯基“创作了一系列原创杰作，不断地重新发明他的风格以适应不断变化的品味”（Wade-Matthews，262）。 春之祭 作为管弦乐作品仍然很受欢迎，它甚至出现在华特迪士尼电影中 幻想曲 （1940），作曲家对它的使用方式非常不满，主要是因为剪辑。

斯特拉文斯基的作品影响了许多其他作曲家，特别是亚伦·科普兰（1900-1990）、曼努埃尔·德·法雅（1876-1946）、吉安·弗朗切斯科·马利皮耶罗（1882-1973）、弗兰克·马丁（1890-1974）和汉茨·维尔纳·亨策（1926-2012） ）。 事实上，不受斯特拉文斯基影响的作曲家名单非常短。 这 春之祭 也许是 20 世纪最有影响力的音乐作品，因为斯特拉文斯基“否定了作曲教科书的所有规则，但将旋律、和声、对位法和节奏从这些规则中解放出来”（Sadie，369）。 音乐再也不像以前那样了。